EXPOSICIONES PARA SEPTIEMBRE Y OCTUBRE EN MADRID

¡Madrid, como siempre, viene con fuerza tras haber recargado también sus baterías durante el período estival! ¡Muchas propuestas para muchos (y distintos) gustos!

•        The Pink Floyd Exhibition. Hasta el 15 de septiembre en IFEMA
•         Biblioteca Nacional. Sª Recoletos. Giovani Battista Piranesi en la BNE. Estampas y libros del artista veneciano.
•        Mª Prado. Fra Angélico y los inicios del Renacimiento en Florencia. Obras del pintor italiano del Quattrocento. Hasta el 15 septiembre
•        Palacio Gaviria. Plastihistoria de la Humanidad. Muy indicada para ir con niños. Recorrido con figuras de plastilina de obras clásicas y universalmente conocidas de la historia mundial. Hasta el 10 de octubre.
•        Palacio Gaviria. Liu Bolin. The invisible man. Exposición dedicada al fotógrafo chino. Hasta el 15 septiembre.
•        Mº Thyssen B. Balenciaga y la pintura española. Cien vestidos del reconocido modisto maridados con obras representativas de la pintura española. Hasta el 22 de septiembre.
•        CaixaForum (Madrid). Olga Picasso. Obras del artista malagueño de sus días con Olga Khokhlova. Hasta el 22 septiembre.
•        Espacio Fundación Telefónica. William Klein. Manifiesto. Hasta el 22 septiembre.
•        Mº ABC Dibujo e Ilustración. Dibujantas. Exposición colectiva que reúne obras de mujeres ilustradoras. Hasta 29 septiembre.
•         Mº Prado. Velázquez, Rembrandt, Vermeer: Miradas afines. ¿Qué tienen en común estos tres maestros mundiales? A través de las 72 obras expuestas reconoceréis sus similitudes. Hasta el 29 septiembre.
•         Mº Sorolla. Cazando impresiones. Sorolla en pequeño formato. Sus pequeñas obras que abocetan y guardan esas instantáneas que tanto gustaba pintar al artista. Hasta el 29 septiembre.
•         Instituto Cervantes. 1914-2014. Interesante propuesta de Marta P. Campos que reflexiona sobre el lenguaje perdido.Hasta el 30 septiembre.
•         Fundación Juan March. Genealogías del arte, o la historia del arte como arte visual. Del 11 octubre 2019 al 12 enero 2020.
•         Mº Thyssen B. Los impresionistas y la fotografía. Los artistas y el medio estaban absolutamente imbricados en una simbiosis que cambié la forma de interpretar la realidad. Pasad y descubrid ese diálogo mutuo. 15 octubre 2019 al 26 enero 2020.
•         M ª Prado. Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. 22 octubre 2019 al 2 febrero 2020.
•        Mº Prado. Solo la voluntad me sobra. Dibujos de Goya. 19 octubre 2019 – 16 febrero 2020.
•       Mº Lázaro Galdiano. Eternidad. ¿Imágenes para siempre? De Lucía Vallejo.
•        F undación Canal Isabel II. Francesca Woodman. On being an angel. Fotografías. Del 3 octubre 2019 al 5 enero 2020.

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¡ LOS ESCAPE ROOMS TAMBIÉN LLEGAN A JACA !

Para quienes veranean u organizan alguna escapada a los Pirineos aragoneses y les gustan no solo las actividades de descenso de cañones, esquí, vías ferratas, rafting y un largo etcétera que ofrece la montaña en toda su grandeza, sino también los escapismos, están de enhorabuena. Ya aterrizaron "escapes" en la ciudad de Jaca. Y algunos de ellos con una trama cultural que tanto me gusta.

Los escapes están de moda, sin duda. La razón para mí más evidente es que es una manera muy divertida de pasar un buen rato en familia o con amigos. 

Las salas que hay en Jaca son: 

escaperoompirineos.com (calle Oroel 8, bajo A; teléfono de contacto: 722617078 o en escaperoompirineos@gmail.com). Ofrecen dos salas, con niveles de dificultad diferentes, tenedlo en cuenta a la hora de reservar en función de vuestra mayor o menor experiencia en estas lides. 

y 

therombocode (calle Mayor, 42-44; teléfono 670932670 o en jaca@therombocode.es). También tienen sedes en Madrid, Barcelona, Bilbao, Sevilla y A Coruña, por si os interesa. La de Jaca tiene temática Cervantina. Muy recomendable para niños y adolescentes que quieran atreverse con un misterio "quijotesco".

Ambas están en la zona antigua, la segunda más céntrica que la primera, pero ambas en la zona antigua. El personal que atiende es estupendo. Como remate, una cena en cualquiera de los restaurantes o tascas de las calles aledañas a la catedral de esta emblemática y románica ciudad, punto esencial del Camino de Santiago.

¡Un plan redondo en todos los sentidos!

El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño.

22marzo-23 junio 2019. Fundación Juan March. Entrada gratuita.

Esta Fundación tiene exposiciones bien llevadas, bien documentadas, bien expuestas, de sobra lo sabemos quienes la frecuentamos. Hacía mucho q el disfrute sensorial puramente infantil no era tan intenso. Y es q desde la primera estancia se nos introduce de lleno en el mundo del juego, de la escuela alternativa que, lentamente, en las siguientes salas se nos va desgranando poco a poco, con visión adulta pero performance de niño.

Desde el comienzo se entra en una verdadera sala de juegos. Toda la exposición quiere ser para el curioso espectador que se adentre en ella un kindergarten en miniatura. La propuesta es la del juego, tanto que la última de las obras expuestas es un ready made, dentro de una extensa sala de recreo a la que se puede acceder también por una puerta agujereada en la pared, para que nuestro niño interior fantasee con cada objeto expuesto y, finalmente, llegue a dar rienda suelta a su imaginación, igualando la de los artistas, los diseñadores de muebles para y por los niños (el folleto de la exposición habla de la “caja de pandora” cerrada mucho tiempo de la que salieron adultos con mirada de niños y que nos han regalado ideas para que podamos seguir sus pasos hablando el lenguaje del niño, es decir el lenguaje universal del juego ). Así, última sala nos enseña la “Computadora del país bananero” (regusto al teléfono langosta) y otras piezas que a muchos nos quieren sonar muy presentes.

Todos estos creadores son hijos de una misma educación revolucionaria para la época. Bebieron de un sistema de enseñanza variopinto iniciado con el proyecto sin pulir del kindergarten o los diseños Montessori. Esto es, y a modo de ejemplo, enseñando matemáticas a través del juego de ensamblajes geométricos. El cromatismo lo aprendieron usando técnicas de expresión libres de ideas preconcebidas, ya que todo valía en medio del proceso creativo -y valía muchísimo. Yo digo que quizás esto tiene también algo que ver con la aproximación matemática y fractal del arte que ahora está siendo tan investigada.

Han pasado los años y, sin embargo, contrastamos con amargura que la amplia mayoría de los colegios actuales siguen funcionando como antaño, a base de utilizar tabletas sin criterio pedagógico o a través de presentaciones en magníficas aplicaciones que únicamente han cortado y pegado de aquí y de allá frases, sin la previa investigación y crítica necesarias para producir algo con sentido y trabajado, pero siguen sin hacer que el niño cuestione, experimente, pinte, cree y se forme una opinión propia de su mundo.

La exposición merece la visita, e include a vuestros hijos en el plan, se divertirán.

 

EMOZ. Zaragoza. Un Museo sorprendente.

Si visitáis Zaragoza o pasáis por ella rumbo a otra ciudad del Pirineo oscense, haced una parada en el museo de Origami: la Escuela Museo Origami Zaragoza (EMOZ). Os encantará y mucho más a vuestros hijos, ya sean mayores o pequeños.

Un museo, por encima de todo, entretenido. Cambia muy frecuentemente sus exposiciones. La actual, hasta el 2 de diciembre de 2018, sobre geometría y matemáticas, nos muestra unas figuras fractales de espectáculo.

Las primeras salas comienzan con la historia de la papiroflexia, tanto en Occidente como en Oriente. Antes del plegado de papel como lo entendemos ahora (plegado simbólico) hay pruebas de que se utilizaba para envolver objetos, conservar plantas, o como adorno a los regalos. El plegado recreativo, que inicia su andadura con el de servilletas para engalanar las mesas aristocráticas a finales del s.XVI (se dedica en Italia todo un capítulo de un tratado al del plegado de servilletas, en un libro de 1629, y la Univ. de Padua enseña este arte del plegado de tela).

Los primeros modelajes de papiroflexia como tal no se encuentran hasta el s. xviii (en el libro Hocus Pocu mproved o Sports and Pastimes). Parece que la transmisión del plegado de papel de Oriente a Occidente, aun no siendo seguro, pudo ser a principios de 1800, pues en un libro holandés aparece por primera vez el plegado de un “junco chino” (o barco del rey y la reina o góndola), siendo a partir de 1868 cuando las influencias son constantes.

En China hubo escuelas de etiqueta conocidas (s.XVI) con plegados ceremoniales del plegado de papel. En Japón no se conocen modelos de papiroflexia documentados físicamente hasta el s.XVIII (la famosa grulla, bel barquito, etc.). Es a mediados del s. XIX cuando se modelizan los plegados en el libro Kan-no-mado (Una ventana para el tiempo frío), que es una sección de una colección de 50 libros (Kayaragusa) que desarrolla 49 ejemplos de origami recreativo.

Hay toda una sección dedicada a Akira Yoshizawa, quien defendió el arte del origami sin cortes y fue padre de toda la simbología del origami que, a partir de la publicación de su obra Atarashi Origami Geijutsu, se utiliza universalmente.

Las últimas salas están reservadas para las exposiciones temporales, con maestros actuales de esta técnica tan delicada y de resultados tan espectaculares como lo son muchas de las muestras que se nos presentan para nuestro disfrute.

No os perdáis los talleres que tienen disponibles donde los niños pueden dar rienda suelta a su imaginación.

 

 

EXPOSICION TEAMLAB. El arte a través de lo digital.

Horario: M-D: de 9:00 a 20:00H. Gratuito. c/ Fuencarral 3. 4º planta

Del 16 de marzo al 9 de junio 2019.

 Si queréis disfrutar de un espacio distinto, tenéis la ocasión de hacerlo en Fundación Telefónica (https://espacio.fundaciontelefonica.com/evento/teamlab/). El equipo “teamLab”, un colectivo de arte multidisciplinar ha creado una obra colaborativa donde, incluso, el visitante puede interactuar con las obras audiovisuales de gran formato expuestas.

El arte más tradicional se ha unido con creadores digitales, matemáticos, maquetadores y programadores. El resultado es un espacio inmersivo en el que vuestros hijos disfrutarán paseando y buceando por cada una de las tres zonas que propone la exposición:

• Black Waves: Lost, Immersed and Reborn (2016), 
• Flutter of Butterflies, Born from Hands (2019)
• Enso – Cold Light, (2017) 
   

Pero no os confundáis. Lo que parecen obras simples y casi ejecutada al azar, lleva un trabajo matemático y de programación absolutamente exhaustivo. Las apariciones de las mariposas en Flutter of Butterflies ante la interacción con ellas por los visitantes no es sencilla, ha sido fruto de un programa de ordenador complejo y diseño gráfico en tiempo real, la animación no está pre-programada, lo que le hace más interesante y efímera, porque nada queda grabado, por lo que jamás podrá ser reproducido. Mariposas que nacen y mueren. Un Snapchat artístico.

Enso es un símbolo en la caligrafía japonesa (círculo) y se dibuja tradicionalmente con un único brochazo, que aquí está suspendido en el espacio. Se puede representar cerrado como parte de un todo, o abierto e imperfecto. Representa la fuerza y el equilibrio en las manifestaciones de la vida.

Black Waves os invitarán a zambulliros inmediatamente en un mar cambiante que tanto recuerda al de La Gran Ola de Hokusai. Seremos, pues, parte de la naturaleza (vida) en continuo cambio, porque el hombre es también energía con ella. Si logramos sentir esa vida entre estos grandes formatos entonces habremos logrado lo que TeamLab se proponía: que el visitante se sienta agua con ellas, sin diferencia entre el yo y la naturaleza, porque -en definitiva- somos lo mismo.

TeamLab se fundó en Japón hace más de una década, en 2001, pero parece que ha sido ahora (http://www.doplerweb.com/nota.asp?id=3165&t=TeamLabs-Shining-Bright-con-su-nueva-exposicion-de-arte) cuando su propuesta ha sido reconocida en el difícil mundo del arte donde parece que todo está inventado ya. Pues aún nos quedan sorpresas tan espectaculares como ésta.

Si queréis saber más sobre el equipo TeamLab: https://www.teamlab.art/art/

Acercaos a la exposición, merece la pena experimentarla.

 

Duchamp, Magritte, Dalí, Revolucionarios del S.XX….. ¡VISÍTALA CON TUS HIJOS!

¡PRORROGADA hasta el 29 julio!

Dónde: Palacio Gaviria (Madrid)
Cuándo: L/M/X/J/D: 10h-20h. V/S: 10h-21h
En el precio de la entrada está incluida la audioguía.

Obras Maestras del Museo de Israel (Jerusalén) visitan Madrid. Ahora que los niños están de vacaciones y se ha prorrogado la exposición, aprovechad y llevadlos. No os defraudará y a los pequeños tampoco: el surrealismo y dadaísmo conecta con la creatividad y sentimiento infantil. Es, por antonomasia, el caldo de cultivo en el que viven los niños. La hilaridad de los dadaístas, el uso de trucos para expresar el arte, el interés por el absurdo, el desenfreno de la imaginación sin cortapisas.... ¿os suena si tenéis hijos?

Obras de la exposición para detenerse (y entenderse) con niños (por supuesto, podéis elegir otras que queráis):

• Reconstrucción de la Sala Mae West de Dalí. Os podéis fotografiar sentados en sus labios: ¡estáis dentro del cuadro!. Llevaos impreso el retrato de Mae West de Dalí como sala surrealista para contextualizar mejor a los más pequeños. Ella era una controvertida actriz muy famosa de la época. Dalí, de una foto de periódico, pintó el cuadro transformando el rostro en un apartamento. La recreación del arquitecto Óscar Tusquets física de este cuadro está instalada en el Mº Dalí (Figueras). Los labios de esta sala fueron también fabricados como sofá y son muy conocidos.
   
• El rey jugando con la reina (Max Ernst). Fijaos en las formas redondeadas de las figuras. Se inspiró en las muñecas ceremoniales “kachina” (portadoras de vida) de las tribus indias de América (indios Hopi). Se danzaba alrededor del fuego y, al final de la danza, se entregaban estas muñecas a los niños de la tribu, además de flechas, ramas y frutos que los hombres “kachina” habían ido a recolectar antes de la ceremonia.
   
• La rueda de bicicleta (Marcel Duchamp). Él pintó bigote y perilla a la Gioconda, era un transgresor, con la rueda nos encontramos ante una de los primeros “ready-made” de la historia del arte. Imprimid una fotografía de la “Fuente” (un urinario masculino que pasó a ser obra de arte) para que así conciban qué significó el “arte encontrado”. Otros ready-made en la exposición (también de Duchamp): el semi ready-made Why not sneeze Rose-Sélavy? (Sección Deseo Musa y Abuso: una jaula de pájaros, terrones de azúcar de mármol, es decir, pesadísima y evocadora de la frialdad, de ahí el termómetro midiendo la temperatura del mármol, …., ¿es por esto que Duchamp estornudará, o más bien su alter ego femenino Rose Sélavy, o como se ha llegado a interpretar “¿(e)Rros?” “c’est la vie”?). También deteneos en la “Bottle rack” (porta-botellas)…. su ajedrez….

Creo que tras la contemplación de estos objetos los niños tendrán una idea muy clara de lo que supuso este nuevo concepto de arte y artista tan rompedor e influyente en el arte contemporáneo.

Ready-made: Duchamp eleva a categoría de obra de arte cualquier pieza mundana. Así, es el artista quien dota al objeto la cualidad de artístico cuando lo descontextualiza del entorno al el que (originariamente) pertenece. Así, la rueda de la bicicleta e inserta en una banqueta, un urinario cambiado de posición será una fuente, lo cotidiano se transforma en una nueva expresión artística. Ahora bien, los objetos deben ser provocadores. La nueva obra casi siempre tendrá un sentido erótico (hierros en los que se escurrirán botellas vacías, una rueda que al dar vueltas se introduce en la banqueta….).

• Fotografías de Duchamp como Rose Sélavy realizadas por Man Ray. Duchamp era un dadaísta y le gustaba jugar con su simbología. ¿Qué menos que crear un alter-ego tan propio este contepto, también después, del surrealismo?
   
• Los dibujos automáticos de André Masson y Joan Miró. Los surrealistas llegaron al extremo de pintar automáticamente, sin trabas mentales, lo primero que surja al autor. Masson quería llegar al inconsciente más profundo e infantil para elaborar sus obras, jugar con los subterfugios de la mente. Conectar con la creatividad pura, por tanto, cualquier medio de expresión es válido, siempre que no intervenga la razón, la expresión artística debe nacer sin trabas, da igual la técnica o la destreza (simples trazos bastan cuando nacen del instinto inconsciente, como en el dibujo de Masson). Los test de Rorscharch del psicoanálisis tienen que ver, precisamente, con la primera interpretación sin filtro racional de la mancha, pero los artistas surrealistas lo que hacen es plasmar las ideas sin sentido en un papel, de forma descontrolada, creando un universo expresivo particular, incoherente.
   
• Castillo de los Pirineos (Magritte): Sobre la ingravidez y la indagación de lo misterioso. La roca está contrapuesta a la gravedad, está tan loca y flotando felizmente en un cielo típicamente magrittiano, mientras el mar está rabioso.

Daos la vuelta y mirad qué apunte a mano hace Magritte en su boceto sobre el cuadro: “Peut être également vu et représenté dans le four”. ¿Qué puede significar? El autor nos invita a reflexionar (la pintura para Magritte es un medio no un fin).

• Instalación de 1200 sacos de carbón (homenaje a Duchamp). Como colofón, un pasillo en el que nos obligan a mirar arriba. Los sacos estaban rellenos de papel de periódico, no se caen encima. Se idearon para moverse por la instalación, aunque aquí sólo recorreremos un tramo diminuto. Podéis fotografiaros sin límite. Un buen recuerdo para el final. 

Y a lo largo de toda la exposición, diseminados, espejos cóncavos, conexos, que harán las delicias de los más pequeños!! Tendréis que tirar de ellos para continuar con el recorrido!!

Soria, ¿escapada romántica o plan familiar? ¡Tú eliges!

ESCAPADA ROMÁNTICO-CULTURAL:

S. Juan de Duero. Fundamental. Recogido, rehabilitado el interior, si lo visitáis al atardecer, la experiencia es única. La luz que se cuela generosa entre los arcos del claustro remueve las entrañas.

Ermita de S. Saturio: este noble decidió pasar su vida (treinta años según parece) en una cueva, sobre la que después se levantó el templo (suele ocurrir, ¿no os suena ésta misma historia? Lourdes, Fátima, Basílica de Getsemaní…). El paseo es una revelación (recomendable a pie, aunque el coche puede llevarse muy cerca de la ermita, evitándonos recorrer casi la mitad). Duración: una hora (ida y vuelta). El recorrido empieza al otro lado de S. Juan de Duero (cruzando la calle principal de la ciudad). Discurre todo él por la vereda del Duero, por un camino ancho y fácil. Luego se complica, cuando nos acercamos a la ermita, pero sin esfuerzos extremos. Todas las novias se quieren casar allí porque la fase final de la ascensión sucede a pie y los vestidos de novia ondeando níveos al viento o lánguidos sobre las piedras del camino logran que el reportaje fotográfico de ese día tan señalado superen cualquier sueño, como si de un cuento se tratara.

Iglesia del Espino. Soria fue lugar de acogida de Antonio Machado. Al lado de esta iglesia se yergue el olmo que inspiró su conocido y enternecedor poema.

Ruta machadiana: Instituto Antonio Machado (impartía sus clases de francés), Esquina de Teatinos (en esta pensión vivirá el autor y allí conocerá a la que luego será su mujer, hija de la patrona del establecimiento) y  La Laguna negra (y paraje circundante), donde Machado se fue de excursión con amigos (corría el año 1910) y se inspiró para sus obras.

Calatañazor: la que llaman “la fortaleza de Gormaz” y tan codiciada allá por el s. X. Construida por los árabes (965), y donde Almanzor, en la batalla de Calatañazor, perdió su tambor (y mucho más que un instrumento). Es atacada por musulmanes en 1081, el Cid responde violentamente en estos territorios musulmanes. Las calles tienen el encanto de lo medieval. El castillo, con su torre del homenaje para subir, nos regala unas vistas a los campos de Castilla abiertos hasta el horizonte verdaderamente mágicas.

Rello: si tienes tiempo, su rollo es diferente y curioso. No es de piedra: es de hierro, era un cañón del s.XV

S. Esteban de Gormaz: Sin duda hay que ir directos a su Iglesia románica de S. Miguel, una delicia. 1€ la entrada (2€ si es con visita guiada). Silencio y claridad dentro, abandera ser la primera iglesia románica con pórtico, antes que el de la emblemática catedral de Jaca. Rehabilitada en 2007, por dentro merece ver el (sencillo) vídeo que nos muestra las pinturas, firmas de canteros que no se ven a simple vista y el corredor de madera que ya no se conserva. Si sois amantes de los castillos, podéis daros un buen paseo hasta subir al que este pueblo castellano brinda.

Dormir: El Parador de Soria es una opción muy buena. Es moderno, rehabilitado, pero las vistas y el entorno son inmejorables. Recuerda en su conjunto al Palacio de la Magdalena (Santander), aunque en lugar del zoo descansa el cementerio (a distancia de paseo desde el hotel). Si sois románticos, visitad la insustituible tumba de la dulce Leonor Izquierdo, con su plaquita a los pies que dice: “Mi niña quedó tranquila/dolido mi corazón/ ¡Ay, lo que la muerte ha roto/ era un hilo entre los dos!” ¿Primer amor? ¿el verdadero?, ¿quién fue Guiomar realmente: realidad o ficción?, han llovido opiniones de un signo u otro.

Comer: Baluarte. Todo un homenaje que seguro os merecéis. En esta época el menú es único y dedicado a la trufa (este invierno tan soleado… inexistente, ha provocado la aparición tremendamente  tardía de “el oro negro” y de los hongos de temporada. Platos exquisitos, para dedicarles 2 honrosas horas que –seguro- estaréis allí degustándolos.

Si venís de Madrid, un recuerdo: a la ida podéis pasaros (domingos tarde permanece cerrado) por Almazán y comprar en la pastelería Gil sus famosas yemas (¡no defraudan!). Las hay al bombón (recubiertas de chocolate negro) para los amantes del cacao. Hay una zona de cafetería por si os las queréis “llevar puestas” o hacer una parada. La confitería: en medio de un cruce de calles por la antigua N-II, tan sólo hay que desviarse por la indicación de Almazán y seguir, literalmente, la carretera principal de la localidad. Sin pérdida.

 

¿PLAN FAMILIAR? ENTONCES… ¡LOS NIÑOS LO PRIMERO!

Dormir. Parador de Soria (siempre es valor seguro, los niños son siempre bienvenidos y hacen ofertas). El plan está pensado para sábado y domingo.

Numancia. Imprescindible para niños. La entrada incluye la visita guiada (  : para niños resulta demasiado larga). Pequeños y no tanto disfrutarán de las réplicas de la casas romana y celtibérica que, con todo detalle, se pueden visitar por dentro y una parte de la muralla sobre la que los numantinos hacían sus guardias para la defensa ante los posibles ataques de la legión.

Si, además, les contáis esta historia, la del asedio que duró casi un año, se quedarán prendados. La Historia dice así: los romanos querían la plaza de Numancia, como lugar estratégico para la expansión del imperio. Enviaron durante muchos años legiones incluso a cónsulesSólo hubo una manera de conquistar a este pueblo guerrero y fuerte que plantó cara a los temidos romanos: el asedio. Escipión (nieto del famoso Publio Cornelio Escipión, el que dio muerte a Aníbal) fue el militar escogido. 9 plazas de ejércitos romanos se instalaron en la zona, cortaron toda posibilidad de que los numantinos se abastecieran. Sin suministros ni víveres, ni agua, resistieron como pudieron (comiéndose incluso la piel de sus ropas, o a los que morían para sobrevivir, bebiendo sus propios orines)

Calatañazor: Su castillo, recomendable para niños, que pueden corretear, subir y bajar hasta agotarse mientras sus padres fotografían las espectaculares vistas.

Los beatos y El Burgo de Osma: ¿Qué es un beato? Son códices (libros) iluminados con vibrantes colores (de tintes naturales) que comentan los textos del Apocalipsis de San Juan (escritos en el S.VIII por un monje de San Martín de Liébana). Tienen valor incalculable porque hay muy pocos. En la provincia de Soria hay uno especial: la catedral del Burgo de Osma alberga uno de los beatos más valiosos (dicen) miniado de 1086. ¿Os animáis?

Comer: En Rioseco (camino al Burgo de Osma), en el Restaurante Quintanares, muy recomendable. La calidad/precio verdaderamente buena. Los niños pueden corretear fuera, no se perderán, el pueblo es muy tranquilo y el restaurante está a las afueras. Sin problemas de parking.

Paseo por el Duero. En la ribera del Duero, cerca de S. Juan de Duero, hay un camino (que lleva hasta la ermita de S. Saturio) de agradable tránsito. A la vera del río, los niños pueden correr a sus anchas. Hay una zona muy cuidada cerca del antiguo “Lavadero de lanas”, donde hay un parque de ocio para disfrute de los más pequeños. También al lado de este parque y los columpios y, si el tiempo lo permite, hay un bar/cafetería (“Soto Playa”) con una terraza absolutamente espectacular.

Esta tierra fue también camino del Cid, visitada en su camino al destierro….. pero esa es otra historia.

MANOLO BLAHNIK. EL ARTE DEL ZAPATO

¡Si tenéis niñas y os gustan las exposiciones estáis de suerte!

El Museo de Artes Decorativas (c/Montalbán, 12), en colaboración con Vogue nos deja admirar de primera mano los deliciosos zapatos de este innombrable artista, de su colección privada. Entrada gratuita. Visitad la web (los horarios del museo son una locura).

Zapatos fastuosos, elegantes, de una calidad extrema, que reflejan la necesidad de perfección casi compulsiva de este diseñador. Porque aún no ha logrado el zapato perfecto. Sigue investigando para crear nuevas obras de arte, porque es cierto que se han convertido verdaderamente en esto: en pequeñas referencias artísticas. Su uso de materiales nobles, pieles de todo tipo, telas raras y de lo más variopintos, y su innegable elegancia le han hecho ganador de  títulos como el de Honoris Causa de la Univ. De la Laguna, o el de Commander of the British Empire.

“La exposición explora el zapato más allá de la moda, entendido como un objeto con personalidad propia que transciende la mera funcionalidad para acercarse, en muchas ocasiones, al arte”. (Folleto de la exposición).

Es una delicia contemplar sus bocetos en pintura (firmados por él), pues siempre los ejecuta él mismo en madrera y piel, el prototipo lo confecciona él mismo, para luego enviarlo a su fabricación a la fábrica en Parabiago. Un escultor de sus propias creaciones. Podemos disfrutar de un vídeo con sus principales ideas y, sin duda, deleitarnos con las muestras que el Museo nos aporta. Confecciona muy pocos pares al día, totalmente artesanales, así que las listas de espera por unos “Manolos” son insufribles. Tenemos una sección dedicada a su colección de zapatos que vistieron los pies de las actrices de la película de María Antonieta, de Sofía Coppola (2006).

Amistades como Paloma Picasso o la ayuda (tan admirada siempre por él) de Diana Vreeland (editora de Vogue en EEUU) en unos primeros momentos más duros, con un innegable talento y creatividad hicieron que un estudiante que abandonó la carrera de Derecho y comenzó como fotógrafo se convirtiera en un diseñador de referencia mundial. En algunas fotografías de famosos fotógrafos como Man Ray, Patrick Demarchelier, Craig McDean o Helmut Newton veremos a modelos de la talla de Cindy Crawford, Linda Evangelista dando vida a sus creaciones.

Zapatos desde sus inicios hasta la actualidad, unos doscientos, con algunos modelos muy vivos que siguen en nuestra memoria (contemplaremos las botas altas de la colección Rihanna X Manolo, por ejemplo). Hay referencias en sus zapatos a su España natal (recordemos el origen canario de Manuel Blahnik Rodríguez) pues, dicen, le inspiraron nuestros más grandes autores como Galdós, Unanumo y Ortega o pintores de la talla de Goya y, cómo no, Picasso). Está su zapato “Lola”, en homenaje a Lola Flores. Vive en Bath, disfruta de una agradable salud…..  ¡que nos dure por muchos años!

EL ESPÍRITU DE LA PINTURA. CAI GUO-QIANG

Pintar es una expresión de la mente y el corazón (Cai Guo-Qiang)

Museo del Prado (Edificio Jerónimos). Hasta el 4 de marzo 2018.. Entrada general (15€). Reducida (7,5€). Lunes a sábados: 10hs-20hs. Domingos/Festivos: 10hs-19hs.

Cai Guo Quiang nació en China, pero también vivió unos cuantos años en Japón. Lo interesante es que él no es pintor, estudió escenografía y, de hecho, hizo sus pinitos en algunas películas. Ahora vive y trabaja en Nueva York. Él dice que siempre recuerda cómo su padre le subía a sus rodillas y le enseñaba, mientras se liaba un cigarrillo, los dibujos que hacía en las cajas de cerillas que recolectaba, mientras le aseguraba que los paisajes allí incrustados eran su pueblo natal. Sí, en unas diminutas cajas estaba representado el puerto, y el bosque, y la pequeña ciudad y todos los recuerdos que su padre mantenía en su mente. De ahí que Quiang sienta que un lienzo puede contener infinitos paisajes, expresiones y caminos, aunque a simple vista el trazo parezca simple o el cuadro con poco contendido.

Algunos ejemplos: nueve coches en distintas fases de su explosión Innoportune: Stage 1 (complicada su instalación en la rotonda del Guggenheim de Nueva York, 2008, en la exposición I want to believe). Para los expertos, sus indagaciones artísticas tienen mucho que ver con transformaciones artísticas. En este ejemplo, Quiang no pretende transformar el espacio de la rotonda, es algo más: el espectáculo no termina siquiera cuando las luces están en todo su apogeo porque la intención es trasladar al espectador al mismo espacio, a sus explosiones más iniciales, lo que reinterpretará más tarde con los atentados del 11-S. O su  Innoportune: Stage 2 (nueve tigres acribillados por lanzas en una disposición asimétrica que simbolizan una leyenda china que cuenta cómo un tigre que devoraba hombres tenía atemorizado a todo un pueblo, hasta que un bandido-héroe logra matarle por fin y terminar con la maldición). O su Falling Back to Earth, una exposición abierta en 2013 en la Gallería de Arte Moderno (Brisbane, Australia).

Sus exhibiciones son una lectura de representaciones de gran formato que se transforman en verdaderos shows para los visitantes.

En Japón exploró las propiedades de la pólvora en sus dibujos, consiguiendo obras únicas. La pólvora es excitante y tiene su propio carácter. Puede gustarle o no lo que haces con ella, según cuenta Quiang.  Dicen de él que es un visionario, un artista global, explosivo, que logra unir lo que él llama el mundo de lo visible y el de lo invisible. Con ello consigue obras únicas e irrepetibles.

Ésta metodología le ha hecho famoso. Verle en su estudio no tiene precio, serio y concentrado, meditativo, con una decena de ayudantes que le van completando las labores más tediosas en tanto que Qiang se dedica al proceso creativo. Es como si de una metáfora se tratara, de un material para matar, para engendrar arte y una obra hermosa y libre. La exposición en Madrid acoge obras en lienzo, un vídeo sobre el making off de la exposición y bocetos originales de algunos de las obras. Ha trabajado muchos meses en el Salón de reinos del Prado para concebir y realizar esta exposición. Ha evocado a los espíritus de pintores que duermen en el museo, en largos paseos en el crepúsculo por las salas y edificios del Prado, queriendo verter el “chi” (“energía” según la creencia oriental, donde no hay creación ni destrucción porque siempre ha existido esa energía).

En las salas parece que todo lo mostrado es espontáneo, pero en realidad lo único imprevisible de la exposición es la acción inmediata de la pólvora y su capacidad de transformar.

 

MARTE, LA CONQUISTA DE UN SUEÑO

Espacio Fundación Telefónica. c/ Fuencarral, 3. M a D: 10:00hs. a 20:00hs. Gratuita.

La exposición abierta hasta el 4 de marzo de 2018 nos abre un espacio para la sorpresa. Es interesante, quizás no tanto por su valor artístico, pero sí desde un punto de vista cultural. Marte está, desde hace tiempo, en el punto de mira de investigadores multidisciplinares.

Para abrir boca, escucharemos a Carl Sagan. Su imagen parece sacada de una de las Conferencias de Navidad ante niños absortos de todas las edades en las que intervino: en 1977, de hecho, dijo que Marte era sin duda “a reasonable place to think about what’s the ground like, what’s the athmosphere like, could there be life?, is it as old as Earth?” (porque -a su juicio- los supuestos canales de los que se aseguraba su existencia no eran tales, o que no era tampoco cierto que los puntos verdes fueran plantas, mientras experimentaba con sus artilugios en la mesa.

 

Contemplaremos porciones de meteoritos venidos de Marte (cosa difícil de obtener) o una probeta con aguas del famoso río Tinto. Aprenderemos que curiosidades como que los días en Marte se llaman soles, que un año marciano son 687 días, que su montaña más alta (Monte Olimpo) tiene una altitud de 22,5 Km (el Everest terráqueo 8,8 Km), o que sus dos lunas se llaman Fobos y Deimos (personificaciones del terror y el miedo) un giño a la Ilíada, los dos hermanos que siempre aparecen (invocados por Ares) en el momento de la batalla.

 

Para los amantes de las exposiciones artísticas, se expone una reproducción de un telescopio de Galileo (de 1609), esferas armilares, planetarios mecánicos deliciosos (S. XVIII) y globos marcianos de fines del XIX. Es inspirador el artículo de la revista Life de 1965 donde por primera vez se publican fotografías de Marte captadas por el robot Mariner. Escucharemos a Orson Wells (una audición radiofónica traducida al español) inundando una sala para contarnos una curiosidad sobre la histeria colectiva infundada a la que puede llegar el ser humano cuando se difunden historias sobre extraterrestres contadas por voces conocidas por todos.

 

La sección dedicada a los proyectos de futuro de colonización de Marte es realmente interesante: Terraformar Marte. Prototipos como Ice House (2015) o Lava hive project o Mars Utopia son interesantes de ver (de nuevo, alguno de ellos incluyendo la impresión 3D y la participación de hongos y bacterias para poder crear espacios y lagos y hábitats con atmósferas respirables. Existen diversas bases de investigación en la actualidad para entrenar a los futuros astronautas colonizadores de Marte, situadas en lugares de la Tierra donde también las condiciones son extremas (parecidas a las que tendrían que sobrellevar los pobladores). En estas bases  (Concordia, Mars 500 o Halley) los próximos prometeos se entrenan para prepararse a su lanzamiento cuando la técnica lo permita. Como muestra os diré que la historia de este tipo de iniciativas no es reciente, ya tiene unos años. Si tenéis tiempo, podéis pasaros por la exposición de la 3ª planta sobre Norman Foster (él también ha propuesto soluciones de habitabilidad para la luna, mediante técnicas de impresión 3D usando regolitos como materia base para la construcción de habitáculos lunares).

Para amartizar es condición imprescindible que se realice en un espacio de ese planeta que tenga acceso, al menos, a 100 toneladas de agua (para asegurar 15 años de vida mínima de los integrantes de la misión).

No dejéis de proponer vuestras ideas de regulación de este curioso planeta! Una selección de algunas de entre todas las aportaciones de los visitantes sobre las buenas prácticas que deberían ser aplicadas cuando el hombre colonice Marte será enviada a las agencias espaciales. Se exponen, como ejemplo, siete principios que han de regir en el espacio ultraterrestre, de Naciones Unidas, pero ésta quiere ser una iniciativa más para seguir conformando dicho código.

¡Anímate: tú puedes ser el legislador de tu propio futuro!.

CENTRO BOTÍN. NUEVO ESPACIO DE REFERENCIA EN CANTABRIA.

Que Santander tenga otro espacio de referencia es importantísimo. Se añade un nuevo centro a los ya existentes en la zona (Guggenheim Bilbao), por no dejar de mencionar (aunque la finalidad sea diferente) a la Fundación Botín o el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Cantabria y Santander. O al de Bellas Artes de Bilbao (que, por cierto, alberga ahora una buena exposición de 90 obras de Alicia Koplowitz, hasta el 23 de octubre 2017).

Un edificio diseñado por Renzo Piano que merece la pena visitar. Los volúmenes cúbicos quieren integrarse (junto con el revestimiento cerámico muy particular que refleja las luces y colores del mar) en la perspectiva de la bahía, abusando del acero y el cristal para darle mayor volatilidad a los dos . Esto dota al visitante de una sensación aérea que se agradece.

Lo enmarcan los Jardines de Pereda y, como dijimos, la bahía. El soterramiento de la avenida ha promovido sin duda la simbiosis del entorno (y doblado la extensión de terreno verde al doble de su tamaño original) que, sin la carretera, permiten visualizar una dilatación de terreno limpia donde discurren paseantes, toman un aperitivo y charlan ciudadanos cántabros y visitantes y juegan divertidos los niños en las zonas infantiles.

Aunque la entrada al centro, a mi gusto está mal dimensionada y peor gestionada, también es cierto que hay que darle un voto de confianza a la administración del centro y su capacidad para rectificar cómo ha de ser la compra in situ de entradas y las (largas) esperas para entrar y el refuerzo del sistema de ascensores para que no ocurra (como ya ha pasado) que los visitantes tengan que subir a pie una escalinata difícil.

¿Qué hay?: sendas exposiciones (hasta septiembre) de grabados de Goya (80) y Carsten Höller han inaugurado la apertura del centro: de Goya, los grabados del Museo del Prado, que no son los de las planchas originales (aunque por lo cuantioso de las obras expuestas, el catálogo editado sobre los dibujos, merece un paseo con tiempo por delante para disfrutarlos). La dinámica que propone el centro para la sala dedicada a Carsten Höller es, cuando menos, curiosa. Muy sinestésica para el visitante, que tendrá que dedicar su tiempo a experimentar y descubrir pasadizos, balanzas e inmersiones (si se está dispuesto a pagar por ello) en el entorno.

 Por último, otra sala dedicada a las obras de la propia fundación (“Arte en el cambio de siglo”), con bellas impresiones digitales sobre papel de algodón de Mendizábal, arte topográfico acartonado de W.ilfredo Prieto (Viaje infinito), o las siempre llamativa esculturas de Juan Muños, Orozco, y un trampantojo sorprendente de Carlos Irijalba (Mareas altas).

Lo dicho, un centro de referencia europea que añadir a la atractiva oferta de nuestro país, en general, y el norte de España, en particular.