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martes, 21 de mayo de 2019

BALTHUS o BALTHASAR KLOSSOWSKI DE ROLA



El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge hasta este domingo 26 de mayo la exposición de este pintor del que tanto se ha escrito. No dejan indiferentes muchos de los 47 cuadros que tiene la exposición, ha sido criticado y admirado por la ambigüedad de sus propuestas. Él lo quería así. Su gato y alter ego en muchos de ellos invita, cuando menos, a la elucubración, ¿no os lo preguntáis, por ejemplo, con el cuadro “Thérèse soñando”?

Un recorrido cronológico de su vida que se inicia con sus obras más esencialmente arquitectónicas y teatrales, cuando Balthus iba buscando (y encontrando) su propio universo interpretativo de las escenas de la vida y que finaliza con un video explicativo (en este vínculo lo tenéis también sin necesidad de ir a la exposición) del cuadro “La partida de Naipes” de la colección del museo.  

Erotismo, transgresión, sensualidad, en un estilo puramente figurativo, pero con sus propios cánones. Alcahuetas que se cuelan (y que molestan la mirada del espectador) en los cuadros, queriendo ver, fisgando, con rostros andróginos (“Muchacha ante el espejo”), curioso, ¿inducido?. En la elaboración de sus obras se inspiraba en los cuentos infantiles (mucho en Alicia en el País de las Maravillas y en Pedro Melenas), siendo sus figuras una congelación del tempo (muchas de las niñas/adolescentes nos muestran sus ensimismamientos). Nos hace vibrar y nos remueve entrañas o sentimientos que, por otra parte, son difíciles de expresar, nos dan vergüenza y apuro, pero que están desde que la humanidad es tal.  Sin embargo, parece que la opinión del propio Balthus es bien diferente: “Se ha dicho que mis niñas desvestidas son eróticas. Nunca pinté con esa intención, que las habría convertido en anecdóticas. Superfluas. Porque yo pretendía justamente lo contrario, rodearlas de áurea de silencio y profundidad” (cito a Masdearte.com en este link).

Polifacético, comentado, longevo (muere con 92 años) y ritualista. Él rezaba antes de adentrarse con un cuadro, era creyente y la pintura una manera de llegar a Dios. También se aislaba de todo y de todos, reclamaba silencio y que no se le molestara. Pero Balthus no es únicamente esto. Es un artesano, hasta elaboraba sus propios pigmentos y pinturas. También es la reminiscencia de Piero della Francesca, de Caravaggio, entre otros. “Vivió la hecatombe demográfica y social, la crisis de los valores occidentales, el descrédito del positivismo decimonónico y de los regímenes políticos vigentes, de la ciencia, la filosofía y la vanguardia, porque muchos de sus miembros habían aplaudido el conflicto bélico” (como dice Juan Ángel López-Manzanares, comisario).

¡¡Quedan pocos días si todavía no habéis tenido la oportunidad de ir!!

viernes, 2 de marzo de 2018

QUÉ HAY DE NUEVO HASTA PRIMAVERA 2018 EN MADRID: EXPOSICIONES INTERESANTES



1.-Jennifer  Steinkamp. “Naturaleza Digital”. Espacio Fundación Telefónica. c/Fuencarral 3. Del 23 febrero al 22 abril. Entrada libre. Una exposición de vídeo-instalaciones para indagar sobre las percepciones ante la obra gráfica y un espacio que, con ellas, queda transformado para el descubrimiento individual del espectador. Los niños disfrutarán perdiéndose en él.

2.- CHIHARU SHIOTA. “Remind of…”. Con sus característicos entramados de redes e hilos encuadernando cepillos sin mangos y otras intervenciones. En la Galería Nieves Fernández. c/ Blanca de Navarra, 12. Hasta el 17 de abril. Entrada libre. Horario de Martes es a Viernes de 11.00 a 19.30 h
Sábados de 11.00 a 14.00 h o previa cita. Dejad que los propietarios de la galería os cuenten el espacio que Shiota ha transformado. A los niños les puede gustar también mucho.

3.- Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas. Fundación Mapfre. Pº Recoletos 23. Madrid. Del 1 febrero al 6 mayo 2018. De 10:00hs a 20:00 hs. Entrada: 3€ (aunque hay descuentos a familias numerosas, jubilados, titulares de pólizas Mapfre, etc.).

Como señala su propia web, se trata de una exposición que explora la amistad de tres grandes artistas del siglo XX: André Derain (1880-1954), Balthus (Balthasar Klossowski) (1908-2001) y Alberto Giacometti (1901-1966). Sus miradas, nunca antes confrontadas, coinciden en la misma exigencia de lo que debe ser la obra de arte. Mucho más allá de la admiración mutua y el sincero afecto que les unieron durante toda su vida, la profunda comunidad estética que existe entre ellos es el hilo conductor de la exposición.

4.- Sorolla y la moda. Museo Thyssen-Bornemisza. Del 13 febrero- 27 mayo 2018. Horario: lunes cerrado. M a D: de 10 a 19hs. Sábado: de 10 a 21 hs. Exposición que analiza la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla. (También se puede ver en la sede del Museo Sorolla, Madrid).

5.- Warhol, el arte mecánico. ¿Dónde? Fundación La Caixa, Pº del Prado 36 (Madrid) . Del 1 febrero al 6 mayo 2018. L: 14:00 a 20:00 h. Martes a sábado de 10:00 a 20:00 h. Domingos/festivos de 11:00 a 19:00 h. Entrada general: 4€ (gratuita para los poseedores de una cuenta corriente en La Caixa).

“Una exposición sobre el desarrollo creativo de este archiconocido artista, desde sus inicios como diseñador gráfico en Nueva York hasta su muerte, convertido ya en un mito universal del arte pop. Más de 300 obras provenientes de distintas colecciones públicas y privadas que retratan la evolución técnica y conceptual del arte underground neoyorkino surgido a mediados del s. XX”.

6.- Pessoa, todo arte es una forma de literatura. En el Museo Nacional Centro de Arte reina Sofía (edificio Sabatini, 1º planta). Del 7 de febrero al 7 mayo 2018. L (10:00 - 21:00 h) Martes: Cerrado. M a S (10:00-21:00 h). D  y festivos (10hs a 19hs).

Esta exposición recurre a esos ismos para articular un relato visual de esta escena lusa, reuniendo para ello una selección de obras de José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso o Júlio, entre otros, relacionadas con las principales corrientes estéticas portuguesas desde comienzos del siglo XX hasta 1935. Distintos escritos de Pessoa dan cuenta del lugar particular de estos ismos de su cosecha, así como de su carácter distintivo dentro del contexto europeo con alusiones explícitas, por ejemplo, a las diferencias entre el Futurismo y el Interseccionismo. Por otro lado, varias de estas obras reflejan un gusto por lo popular y la idiosincrasia lusa que aparece tanto en el trabajo de los artistas portugueses que viajaron a París, como en el de los extranjeros que decidieron pasar una temporada en tierras portuguesas, caso de Sonia y Robert Delaunay.

6.- El principio Asia. China, Japón y el arte contemporáneo en España (1957 – 2017). C/ Castelló 77 (Madrid). Del 8 marzo al 24 junio 2018. Entrada libre. Horario: L a S y festivos: 11:00–20:00 hs. Domingos: 10:00–14:00 hs.

La exposición, como dice la web, presenta a más de sesenta artistas que han desarrollado su trayectoria artística en España y cuya obra está vinculada, en mayor o menor medida, con Asia Oriental e India.

 

lunes, 8 de enero de 2018

CÉSAR PATERNOSTO. Hacia una pintura objetual






Mi aportación testimonia mi aspiración de hacer de la pintura un objeto que hay que leer integralmente” (César Paternosto)



El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza nos propone, hasta el 28 enero (entrada gratuita), en el Balcón planta 1ª, unas obras seleccionadas por el propio artista, algunas de su propia colección (en Segovia, donde reside) y otras cedidas por Galerías, además de las de la colección de Carmen Thyssen. Son ejemplos de lo que quiere ser una muestra de la historia de la pintura en tanto que objeto (una tela cosida, ya no es ventana de representación de escenografías, de naturalezas o bodegones, el lienzo cuadrado (la “pantalla óptica” que la llama Paternosto) pasa a ser una “cosa” a la que progresivamente se le irán añadiendo arenas, arpilleras, maderas, periódicos, cuerdas (aquí se inserta la tradición mondrianesca de sus cintas adhesivas de colores tras descubrirlas en Nueva York, con la obra “New York City 3 (inacabado)”).

¿Dónde innova Paternosto? Su expresión máxima de la objetualidad del lienzo tiene lugar cuando, en febrero de 1969, abandona la pintura en el lienzo frontal para trasladarla a los laterales del bastidor (que se agrandan para acoger la obra). Un salto al vacío. Toda una revolución conceptual pues el espectador tiene que interpretar la obra desde una acercamiento lateral. “La pintura ya no se ofrece a la mirada, sino que se oculta y el espectador, como dice el artista, tiene que ir a buscarla en un acercamiento oblícuo” (Guillermo Solana, introducción al libro de esta muestra: “César Paternosto, hacia una pintura objetual”). Es la dispersión de la pintura a los laterales propia de Mondrian (del que se nutre) llevado a la máxima expresión: su ausencia en el cuadrado frontal para esconderla en los lados.

Además de sus reconocidas “obras laterales” de galerías privadas, también encontramos a Picasso, Mondrian, Torres-García (traído a la exposición “Madera planos de color” pues representa la retícula mondrianesca fruto del encuentro de ambos artistas) o Gris, además de sus experimentaciones de lápices acuarelables sobre lienzo (“Hilos de agua, Intervals”) que quieren ser un homenaje a la abstracción de la tradición del trenzado textil interpretada desde tiempo inmemorial.

Un delicioso “1.2.1.2.” (1972) que refleja un azul turquesa aguado en la misma pared (que intensifica la cualidad de objeto del cuadro, que se traslada a los muros de la sala, por lo que la obra queda integrada en la realidad y forma parte de ella) mientras que la representación de los bastidores se va abriendo escalonadamente en una estructura de foco, en un sentido como en otro. Igual que Mondrian, para Paternosto el blanco no es el vacío, porque (ambos) lo delimitan o bien en los bordes o bien en los laterales, es perfectamente válido dejarlo en blanco y así lo disfrutaremos en esta escueta pero fantástica muestra de toda una evolución a través del tiempo sobre el cambio de significado de la pintura.


jueves, 8 de junio de 2017

Rafael Moneo. Una Reflexión Teórica desde la profesión.






La vida no está pensada para hacer planes. Yo nunca los he hecho más allá de las vacaciones de verano” (Rafael Moneo)

 

Una retrospectiva que podemos disfrutar hasta el 11 de junio en el Museo Thyssen Bornemisza.

¿Qué labor tiene hoy en día un arquitecto?. En épocas nada propicias en España para esta profesión, altas capacidades que emigran para la búsqueda de un nuevo Dorado, la historia del tudelano Rafael Moneo nos puede servir de referente ejemplar. Una selección de dibujos, maquetas, fotografías de encargos de este arquitecto nacional. La muestra ha paseado por A Coruña y es, de hecho, una retrospectiva (la primera en el Thyssen) de su trabajo y vida profesional.

La exposición pivota a través de sus dibujos (121), son el hilo conductor, esenciales en el proceso intelectivo del trabajo de cualquier arquitecto porque van configurando la idea de un proyecto. Los dibujos para Moneo son una herramienta principal para el desarrollo de sus propuestas (un arquitecto siempre recurre al “rasguño”, al dibujo, pues es la manera de plasmar una idea en cuanto nace como simple intención). Actualmente pueden estar en desuso pero no en aquel momento. A través de ellos se van definiendo las decisiones del trabajo final de este arquitecto, para su organización mental.

El croquis (se usaba lápiz sobre papel de croquis semitransparente) para la casa de la Moraleja de Alfonso Gómez-Acebo tiene su encanto e importancia. Su diseño rompedor y noble, con una balaustrada y plantas colgantes nos transporta a décadas pasadas. O bien las viviendas en el Paseo de la Habana (73-77), que se pueden disfrutar si uno se pasea por esta calle. Se muestran planos amarillentos por el paso del tiempo muy significativos que Moneo tenía guardados en su sótano y que recupera el Comisario  Francisco González de Canales para esta exposición. Las cuidadas 19 maquetas expuestas son una delicia. A modo de casas de muñecas perfectamente diseñadas, materiales limpios y pulidos.

La siguiente sección del recorrido ya no tendrá tantos dibujos. Se van sustituyendo aquél con otras técnicas (maquetación y fotografías), aunque Moneo jamás renunciará a él.

Las fotos también acompañan fuerte y nos modelan otros trabajos internacionales y nacionales premiados (él, único español, galardonado en 1996 con el premio Pritzker de Arquitectura, y antes con el Príncipe de Asturias de las Artes en el 92, entre otros muchos), junto con otros que ni siquiera llegaron a nacer, pero cuyos planos podemos disfrutar.

A él debemos la inteligente ampliación del Museo del Prado (98-07), 1er premio. La catedral de Ntra. Sra. de los Ángeles (en L.A., California, 96-02), también 1º premio. Suya es la nueva imagen de la estación de Atocha en Madrid. Muchos ejemplos que podremos contemplar con los planos, maquetas y fotografías expuestos en la muestra.

Siempre que se le pregunta por su modelo de inspiración, responde que no es unívoco, aunque dice que hay siempre que reflexionar. “Una reflexión basada en la certeza de que detrás de las formas de la arquitectura existe una determinada visión del mundo, un mensaje oculto que hemos de descifrar para comprender el presente”. En su intervención para el Museo de Arte Romano de Mérida nos inunda la belleza de la historia recalificada para los tiempos modernos (un espacio absolutamente romano para disfrute del presente). Insertado en plena ciudad antigua, dialoga con el pasado histórico a través de sus poderosos arcos (gusto romano), el ladrillo rojo y la iluminación para adaptarse a él. Usa el paisaje y su historia para concebir sus obras. También la Fundación Miró en Palma nos transmite esta concepción.

Si, además, tienes la suerte de encontrarte con él mientras pasea sonriente entre sus obras e, incluso, saludarle (incluso a horas intempestivas como las cuatro de la tarde de un día corriente), entonces la visita quedará para siempre en el recuerdo.